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giovedì 30 maggio 2024

"Saudade 2017-2022" di Maria Pia Quintavalla. Recensione di Lorenzo Spurio

È uscita pochi giorni fa la nuova raccolta poetica della nota poetessa Maria Pia Quintavalla, l’ennesima in un lungo e apprezzato percorso letterario che l’ha vista, recentemente, meritare il Premio Speciale “Alla Carriera”, conferitole nelle Marche[1], per la sua distinta attività di poetessa e saggista all’interno della III edizione del Premio Letterario “Paesaggio Interiore” (2023) presieduto da Francesca Innocenzi.

L’opera si propone nella forma di una raccolta di testi che fanno riferimento al periodo 2017-2022 e va sotto il titolo di Saudade, termine caro alla cultura lusitana e carioca. Il libro è stato pubblicato all’interno della collana “Intersezironi” della puntoacapo editrice di Pasturana (AL) ed è introdotto da una prefazione a firma di Giancarlo Sammito.

L’Enciclopedia Treccani online fornisce, quale spiegazione del lemma straniero “saudade” che comunemente viene richiamato anche nel nostro dizionario, tale definizione: «Sentimento di nostalgico rimpianto, di malinconia, di gusto romantico della solitudine, accompagnato da un intenso desiderio di qualcosa di assente (in quanto perduto o non ancora raggiunto), che permea la poesia lirica portoghese e brasiliana dell’Ottocento e che, rivendicato nei primi del Novecento da alcuni letterati fautori di una rinascita della cultura portoghese come atteggiamento tipico del carattere nazionale, si è diffuso come stereotipo dell’animo portoghese e, per estensione, brasiliano». Il termine richiama un sentimento di più o meno sofferta malinconia per un passato o un perduto al quale l’individuo anela nel pensiero vagheggiando quel che è stato o nutrendo il pensiero di quel che vorrebbe recuperare. Saudade della Quintavalla è la voce intima che corrisponde alla chiamata nostalgica, a una musica lontana di echi imbevuta di rimpianto, una sorta di tristezza nativa che non è la sofferenza del lutto ma nella quale squarci di luce possono anche penetrare. Come sosteneva Tabucchi, infatti, può trattarsi anche di una “nostalgia del futuro” (che, dopotutto, sempre per lo stesso autore, è una sorta di “paradosso”) e può aver a che fare con qualcosa che stupisce e intenerisce al contempo.

Nella prefazione di Sammito è possibile leggere: «C’è tanta acqua in Saudade. Acque serene di adolescenziale vigilia, di veglia per una incarnazione nella parola e nel senso condiviso dei linguaggi. Ma anche di amnio e naufragio, acqua persa (buia) e rugginosa in pozzanghere di città dove la vita, la poesia, hanno trovato e trovano ancora forme di canto. E luoghi, una pressante aspirazione, come dice il titolo, a luoghi, e non soltanto interiori […] Saudade è combinazione e madre del sentimento del tempo, del desiderio, tesoro compresso tra futuro e passato: del nostos, Sehnsucht protesa al viaggio nel luogo o nel tempo del percorso linfatico, invisibile ma presente, che a maggior ragione esige dunque voce, espressione, storie».

L’opera contiene al suo interno un prima e un dopo, che si contraddistinguono dal limite di una sorta di “spartiacque” rappresentato dall’insorgenza della triste pandemia che abbiamo sperimentato. Così, all’ante Covid appartiene la sezione “Casi del mondo, case dell’amore” mentre all’età successiva, impressa al trauma del Coronavirus, appartiene la ricerca di saudade e i “Giorni come fucilazioni” dove trovano collocazione i «pensieri tortorelle» in attesa di «fucilate imprevedibili, come serenate attese».

L'Autrice, la poetessa Maria Pia Quintavalla

L’Autrice ha rivelato in una conversazione privata che «Ci sono tagli in questo libro: e acque da tagliare» con particolare riferimento al rito della nascita (e di molte nascite si parla nel volume), ma anche al fenomeno dell’immigrazione rappresentato da quei passaggi delle navi libiche che fendono le acque del Mediterraneo. Sono esempi di questo taglio etico-civile le opere che evocano ecatombe dolorose e le cronache ripetitive dei nostri giorni, in una «vita di periferico abbandono» (32): “Sono una nave libica” e “Augusta, il naufragio”.

Ci sono poi le sezioni in prosa: i componimenti “La piantina”, “Dalla torretta”, “La terribile età” sono estratti da “Album feriale”. A chiudere è il poemetto “Augusta, il naufragio”, un delicato e curioso prosimetro in cui è possibile leggere: «Ora, questo immenso camposanto è marino, l’assenza di pietà umana ha scelto il colore dell’acqua per manifestarsi. Un cielo capovolto e profondo pieno di pesci, ora in frotte, ora in fuga» (74).

Maria Pia Quintavalla (Parma, 1952) vive a Milano. Ha pubblicato le opere Cantare semplice (1984), Lettere giovani (1990), Il Cantare (1991); Le Moradas (1996); Estranea (canzone) (2000; 2022), Corpus solum (2002), Album feriale (2005), Selected Poems (2008), China (2010), I Compianti (2015), Vitae (2017), Quinta vez (2018). Tra i premi vinti si ricordano il “Cittadella”, l’“Alghero Donna”, il “Nosside”, il “Pontedilegno”, il “Città di Como”. Numerose le opere antologiche nelle quali risulta inserita tra le quali Braci (2020, a cura di Arnaldo Colasanti). Inserita nell’Atlante voci poesia, progetto curato da Giovanna Iorio. È stata Redattrice della rivista «Menabò» ed è nella Giuria del Premio Terre d’ulivi. Collabora alla rivista «Metaphorica». Conduce laboratori di lingua italiana presso la facoltà di Lettere UniMi.

 

 Lorenzo Spurio

 

[1] Cerimonia avvenuta a Cerreto d’Esi (AN) nel 2023.

sabato 13 aprile 2024

Lorenzo Spurio su "Rebus Banksy. L'uomo dall'arte ribelle" di Andrea Del Monte

 È uscito il 6 dicembre scorso in tutte le librerie, per i tipi della romana Ensemble, Rebus Banksy, il nuovo libro-disco di Andrea Del Monte che porta quale sottotitolo L’uomo dall’arte ribelle.

Non si tratta solo di un libro dedicato al grande artista e writer britannico ma anche un libro di poesie, racconti e di musica. Nominare Banksy – si legge nel comunicato di lancio dell’opera – significa solitamente catturare immediatamente l’attenzione mediatica anche se l’interesse sociale spesso si limita solo a cercare d’individuarne l’identità. Del Monte ha avuto modo di osservare: «Per me, l’identità di Banksy può restare un rebus. A me interessa la sua arte». Ed è tale l’obiettivo del libro-disco: andare al di là del nome per approfondire, attraverso alcune delle massime forme d’arte, tutti i significati che le opere del celebre e al contempo misterioso writer possono offrire. Emozioni, sentimenti, riflessioni, note e quant’altro.

Per realizzare l’opera Andrea Del Monte si è avvalso della collaborazione di Jacopo Colabattista, che ha ridisegnato dieci opere di Banksy, degli scrittori e poeti Vivian Lamarque, Antonio Veneziani, Renzo Paris, Elisabetta Bucciarelli, Geraldina Colotti, Susanna Schimperna, Giorgio Ghiotti, Gino Scartaghiande, Fernando Acitelli, Antonio Pennacchi, Antonio Rezza, Flavia Mastrella, Angelo Mastrandrea, Alessandro Moscè, Claudio Finelli, Marcello Loprencipe, Diego Zandel, Helena Velena e Ugo Magnanti.

Tra le opere di Banksy selezionate e qui riprodotte figurano “Il lanciatore di fiori” (“The Flower Thrower”, opera in stencil nero apparsa nel 1999 su un muro di Beit Sahour in Palestina) in cui in una diapositiva di un’ipotetica intifada al posto delle pietre vengono lanciati fiori a trasmettere un’idea di negazione della guerra nella quale la collettività dovrebbe impegnarsi; “La madonna con la pistola” (apparso come murales nei pressi di Piazza Gerolomini a Napoli) con un chiaro intento di denuncia del fenomeno malavitoso camorrista; “Bambino migrante” (“Migrant child”) opera apparsa nel 2019 su un muro di una casa lambita dall’acqua del Canale a Venezia nel sestiere Dorsoduro, in cui il tema è l’immigrazione che concerne il mondo dell’infanzia: il bambino tiene in mano un razzo di segnalazione dal quale diparte una conformazione fumosa in un acceso color fucsia ad intendere un SOS lanciato. Il critico Vittorio Sgarbi all’epoca sostenne che era necessario un intervento protettivo per tutelare l’opera, esposta alle intemperie e all’umidità vista la prossimità dell’acqua del Canale che arriva a coprire addirittura i piedi del ragazzino ritratto.

Tra le altre opere di Banksy proposte figurano “Il calciatore rivoluzionario” pensata per riferirsi all’Esercito Zapatista di Liberazione Nazionale (EZLN), un movimento nato in Messico in sostegno delle popolazioni indios contro il capitalismo rappresentato dal Subcomandante Marcos; “Babbo Natale” apparso su un muro di Birmingham dove, a un vero clochard che dorme steso su una panchina, il misterioso artista ha pitturato sul muro le linee che collegano alle renne (la panchina sarebbe dunque la slitta). Il canonico ridanciano Santa Claus è trasformato da Banksy in clochard, povero derelitto che vive alle intemperie della vita, per sottolineare il tema della marginalità delle periferie, della vulnerabilità e della povertà sociale.



Si continua con “Evoluzione umana in codice a barre” (o “Evoluzione della scimmia a codice a barre”) in cui nella poesia collegata, a firma dello stesso Andrea Del Monte, leggiamo “Sono una persona, non sono un codice a barre, / sono una persona, non sono uguale alle altre”. Fanno capolino il tema dell’alienazione e della mancanza d’identità che in questa società contemporanea purtroppo spopolano e che lasciano il posto alla generalizzazione e al bieco relativismo. Con l’opera banksyana “Bambini sulle armi” (“Kids on guns”) ritorna il tema della violenza, della guerra, riferito all’inerme mondo dei bambini: qui due ragazzi sono ritratti vicini sulla sommità di un cumulo di armi d’artiglieria. Il tutto ha – come capita quasi sempre – una colorazione nera mentre il palloncino che reggono e che si eleva verso l’alto (a differenza delle armi, in basso) è di colore rosso e ha una forma di cuore. Associata a quest’opera è una cantilenesca poesia di Vivian Lamarque – poetessa da sempre particolarmente legata al mondo dei minori – intitolata “Filastrocca in disarmo” che recita: “C’era una guerra così intelligente / che solo lei si capiva / gli altri non capivano niente, / gli altri non capivano niente”. E poi, verso la chiusa: “Morivano tutti anche i bambini / […] // Ma più di tutti moriva il mare / vedendo i bambini morire di mare”.

C’è poi la curiosa “Banconota Lady Diana / Di-Faced Turner” che ritrae una fantasiosa banconota con l’immagine della Principessa dei Cuori e, al posto di Bank of England, Banksy of England. Si tratta, come avviene nella maggior parte dei casi, di una provocazione. L’artista vuol forse riferirsi allo stigma della donna per l’allontanamento dalla Real Casa e al clima d’odio fomentato da certa stampa, alla sua vulnerabilità di donna e alla solitudine del suo ultimo periodo prima del tragico incidente nella Capitale francese. Nella poesia di Susanna Schimperna dedicata alla Principessa si legge: “Lei era troppo dolce / guardava intimidita sempre da un’altra parte”.

Tra le ultime opere proposte in questo volume grafico, poetico, narrativo e musicale ci sono “Il bacio dei poliziotti” (“Kissing Coppers”) e “La bambina con il palloncino” (“Balloon girl”) quest’ultima accompagnata, in chiave poetica, da un testo di Elisabetta Bucciarelli.

Rebus Banksy, che è un’opera polifonica e multimediale, contiene anche quattro interviste ad altrettanti esponenti del mondo artistico in tutte le sue declinazioni: Vittorio Sgarbi, Vauro Senesi, Sabina De Gregori (autrice del primo libro, nel nostro Paese, dedicato al geniale artista di strada, Banksy, il terrorista dell’arte, opera del 2010) e Giuseppe Pollicelli. Il medesimo format d’intervista è proposto per i quattro esponenti intervistati. Diverse sono le considerazioni attorno alle potenzialità della street art di Banksy, a fornire uno scenario completo e variegato, motivo di riflessione.

Mediante il codice QR che figura nel colophon del libro è possibile ascoltare le dieci canzoni che l’Autore ha prodotto in collaborazione con artisti di fama mondiale tra i quali John Jackson (storico chitarrista di Bob Dylan), Fernando Saunders (produttore e bassista di Lou Reed) ed Ezio Bonicelli (violinista e chitarrista di Giovanni L. Ferretti e dei CCCP).

Andrea Del Monte è chitarrista, cantautore e compositore. Ha partecipato allo storico festival “Il Cantagiro” dell’edizione 2007, risultando vincitore del premio della critica. Si è più volte esibito a Casa Sanremo e nel Sanremo Off e in alcune tappe di Radio Italia. Al suo primo EP hanno collaborato John Jackson e il musicista ed etnomusicologo Ambrogio Sparagna. Ha pubblicato il libro Brigantesse, storie d’amore e di fucile (Ponte Sisto, Roma, 2019) il cui disco allegato si apre con l’intervento di Sabrina Ferilli e il libro-disco Puzzle Pasolini (Ensemble, Roma, 2022) con il quale ha ricevuto in Campidoglio i premi “Microfono d’oro”, “Antenna d’oro per la TIVVU” e il “Sette Colli”. A Lanuvio l’opera è stata premiata con il premio speciale “Croffi – Castelli Romani Film Festival”.

 LORENZO SPURIO


Matera, 08/0/2024

 

 

 

 

sabato 18 marzo 2023

"Tra gli aranci e la menta", la plaquette di Lorenzo Spurio dedicata a Federico Garcia Lorca. Recensione di Isabella Michela Affinito

Recensione al libro di poesie di Lorenzo Spurio, dal titolo: “ TRA GLI ARANCI E LA MENTA – Recitativo dell’assenza per Federico García Lorca”, Collana L’Appello – Poetikanten Edizioni dell’Associazione Culturale Ilfilorosso di Rogliano (CS), Seconda edizione Anno 2020, Euro 10,00, pagg.65.

 


«[…] Lungo una strada va/ la morte incoronata/ di fiori d’arancio appassiti./ Canta e canta/ una canzone/ sulla chitarra bianca,/ e canta, canta, canta.// Sulle torri gialle/ tacciono le campane.// Il vento con la polvere/ compone prore d’argento.» (Dalla poesia Clamore di Federico García Lorca, tratta dal libro monografico n°5 Federico García Lorca – POESIE, Collana “La Grande Poesia – Corriere della Sera”, Edizione speciale per il Corriere della Sera, RCS Quotidiani S.p.A. di Milano, Anno 2004, pag.49).

L’omaggio poetico che il saggista scrittore critico letterario della provincia di Ancona, Lorenzo Spurio, ha voluto dedicare a uno dei più importanti personaggi della letteratura spagnola del primo Novecento, Federico García Lorca (1898-1936), assomiglia alla magistrale e temeraria entrata dell’abile surfista nella galleria d’acqua provvisoria dell’onda ‘perfetta’, fino a percorrerla tutta prima del suo rovescio sulla superficie marina.

Gli aranci sono in riferimento alle terre calde che li producono, terre assolate dove gli inverni sono miti come la nostra Italia del Sud, le regioni mediterranee, piuttosto che la Spagna dove sul finire dell’Ottocento nacque, nei pressi di Granada in Andalusia (zona della Spagna meridionale) colui che divenne il poeta e non solo, Federico García Lorca, della vita con tutte le sue inquietudini soprattutto imbevuta di pianto e di sangue, di paesaggi coi suoi fiori frutti e plurimi colori, di giustizia mancata e di surrealismo che s’andava affermando in quegli anni del secolo moderno – lo scrittore andaluso fu amico fraterno dell’artista catalano inquieto e stravagante surrealista, Salvador Dalì, a cui destinò la sua prosa poetica titolata Ode a Salvador Dalí.

La menta perché probabilmente in mezzo a tanta inclemente arsura di terre infuocate dai raggi solari, essa come erba aromatica rappresenta la freschezza dei luoghi umidi dove nasce e così la figura eroica-letteraria dello stesso Lorca si staglia dal gruppo dell’oltre la decina di liriche che il poeta Lorenzo Spurio ha composto per Egli, morto prematuramente all’età di trentotto anni e che fece parte della memorabile “Generazione del ‘27” all’indomani dell’instaurazione del regima franchista contro la Repubblica dando il via alla guerra civile durata fino all’aprile 1939; cosicché il 19 agosto 1936 venne crudelmente fucilato il poeta Lorca dai sostenitori del dittatore Generale Francisco Franco (solo dopo la morte di quest’ultimo nel 1975 finalmente la produzione letteraria di García Lorca ha potuto meritare la divulgazione e il mondiale riconoscimento) a qualche chilometro da Granada, allacciandosi idealmente al celebre dipinto del precedente artista spagnolo ritrattista della famiglia reale di Carlo V, Francisco Goya, del 1814 titolato Fucilazioni del 3 maggio.

Dicevamo della rassomiglianza con l’immagine del provetto surfista perché i versi di Lorenzo Spurio diffondono un equilibrio perfetto in sintonia con quelli di Federico García Lorca: nel versificare la territorialità, gli ambienti caldi andalusi di Lorca il poeta delle Marche s’è unito all’universale respiro letterario ardente lorchiano fatto di attimi stillanti musicalità, dramma, simbolismo, surrealismo, ermetismo, passione lacerante e lacerata da improvvisi colpi di scena tra cui, fra i tanti, la morte per ferimento alle cinque della sera durante l’esibizione tipica spagnola, la corrida, dell’altro suo carissimo amico torero Ignacio Sánchez Mejías, a cui dedicò una lunghissima struggente poesia (1935), divisa in quattro parti, carica di valori correlati alla vita stessa fatta di dolore e di lotte.

Così ha composto il poeta Spurio in relazione a quell’episodio: «[…] Nelle tribolazioni invereconde e nella polvere/ paraventi di luna che fugge alla notte/ incunaboli di dolore in tabernacoli di pianto/ il fluido rosso fondamento di sacrificio.// Nelle cuevas gitane l’umidore sembrò placarsi;/ quella sera la luna non si presentò/ talmente impaurita preferì nascondersi/ ma alle cinque, tu, dov’eri? » (Dalla poesia La luna si nasconde, pagg.18-19).

Per comprendere appieno i testi poetici della silloge in questione dell’autore iesino, bisogna prima conoscere la breve eppure complessa esistenza del poeta Federico García Lorca, che crebbe in una famiglia dove non c’erano problemi economici dato che il padre era un ricco possidente terriero e la madre, seconda moglie, era insegnante ma di salute cagionevole per cui il piccolo Federico venne allattato dalla moglie del responsabile di un’azienda agricola, che aveva il compito di controllare i subalterni, e forse soprattutto per questo il poeta da adulto divenne il propugnatore del concetto d’uguaglianza tra gli uomini: dai gitani ai negri, agli ebrei, alla gente più umile…

La madre lasciò l’insegnamento per dedicarsi con cura all’educazione del figlio, trasmettendogli l’amore per la musica (il pianoforte) e stimolandogli una grande sensibilità, anche perché Federico García Lorca nacque sotto il Segno zodiacale d’Aria dei Gemelli, il 5 giugno 1898 a Fuente Vaqueros, votato alla parola, ai viaggi, alla curiosità, al protagonismo con già una platea interiore pronta ad applaudirlo, all’amicizia, alla novità sotto tutti i punti di vista.

La corrente surrealista, in ambito artistico e letterario, si fece largo dopo il primo decennio del Novecento in Francia, a proposito del poeta scrittore critico d’arte, Guillaume Apollinaire (1880-1918), che usò per primo il termine sur-réalisme e man mano entrarono a farne parte le teorie inerenti l’inconscio grazie specialmente alla psicoanalisi di Sigmund Freud, l’immaginazione liberata dalla ragione, la casualità, il sogno e in Spagna uno dei più importanti pittori surrealisti fu, appunto, Salvador Dalí, ammiratore sin dall’epoca universitaria di Lorca, il quale prima si iscrisse alla facoltà di Giurisprudenza poi passò a quella di Lettere, insieme al regista Luis Buñuel e un’altra importante amicizia di García Lorca fu quella col poeta cileno Pablo Neruda, più giovane di lui di sei anni e che visse fino al 1973, conosciuto a Buenos Aires e rivisto a Madrid nell’ultimo paio d’anni della sua breve esistenza.

Federico García Lorca fece anche molto teatro – andò in giro per i villaggi sperduti della Spagna con la compagnia teatrale ambulante La Barraca – scrivendo opere ispirate agli usi e costumi della sua Spagna fortemente legata alle tradizioni punzonate dalla condizione di subalternità della donna, le tragedie familiari dovute anche alla difesa dell’onore, le promesse da mantenere, l’amore contrastato e la morte sempre in agguato, che poi negli ultimi tempi evolse in una drammaturgia difficile da rappresentare perché assorbito dal mulinello surrealista.

«[…] La mia dimora è l’ambiente, l’anziano ulivo,/ l’oliva e la screpolata corteccia, la radice/ magnifica e atroce e la foglia a forma di lancia:/ cercatemi là, non lontano dal limoneto nauseante/ dove sosto ad abbeverarmi del nettare acido/ per tornare a vagare nei dintorni confusi/ e abitare smanioso ogni luogo del campo. » (Dalla poesia Non lontano dal limoneto, pagg.49-51).

 Isabella Michela Affinito 

 

martedì 9 novembre 2021

AIΩN di Mario Fresa (5). Affondare, ritornare

 

AIΩN di Mario Fresa

Enzo Rega



 

*

Il signore dell’anello

 

Non aguglia o altra vita marina

scintillando sotto il sole

attraverso la carezza dell'acqua

s'inabissa  volteggiando (riflessi aurei)

il cerchietto matrimoniale

scivolato dal dito

- quasi scherzo bonario,

s’insabbia nel fondo.

 

La tersità dell'acqua nemmeno può

restituirlo alla vista

e la porosità dei granelli al tatto.

 

Signore dell'anello è il mare

e ancora più decisa

la signoria della sabbia

che tutto accoglie e nulla restituisce,

come dice l’amico dai confini

che aggiunge franco:

in questa terra

ristanno l’impronta, le radici del legame

e se ci si chiede dove tornare

il mare ha dato la risposta:

qui, per la Vita,

sotto lo sguardo della rocca e

di torri arabo-normanne

 

Cefalù, 13 agosto 2021

 

 

Lo smarrimento, reale o favolistico, di un anello nuziale; il suo inatteso inabissarsi nel labirinto muto del mare. Poi, subito dopo, il denso dialogare del narratore-spettatore con i molti confini, lontani o vicini, visti o ricordati, di una terra sì tangibile e concreta, ma anche altra, mitica, immaginaria. Infine, l'oscuro ricercare di una via del riapprodo (o dell'origine?) che trova una risposta, ambigua e provvisoria, nella stessa accecante e ineffabile tersità dell'universo marino, che sempre dona e toglie, mostra e nasconde: e così tutto appare e dispare, s'innalza e s'intorbida, affonda e risorge e fa ritorno - siccome un circolare, magico, eterno gioco degli eventi - in questo poemetto, acquaticamente mosso e inquieto, di Enzo Rega (Genova, 1958), uno dei nostri più fini e ispirati poeti degli ultimi anni.

È appunto la sua stessa scrittura poetica a ricordarci che la realtà intera è sempre eguale nel suo continuo trasmutarsi, perché si muove entro le curve illimitate di una ciclica ellisse temporale: ed è, quindi, la medesima parola (la verticale vertiginosità del suo trasformarsi in canto puro) a ricucire e a far rivivere, almeno dentro lo spazio acuto della mente, gli echi o i frammenti di ciò che abbiamo perduto o smarrito o cancellato: e quell'anello, ai nostri occhi di lettori, eternamente sarà inghiottito dalla profonda bocca dei mari e sempre, un giorno, riemergerà improvviso, come sogno o apparizione, per poi, di nuovo, celarsi e scomparire, ancora e ancora, nei misteriosi corridoi del tempo.

 



In alto, Down by the sea (acrilico su tela, s. d.) di Inez Frohelich.











 

 

 

martedì 3 agosto 2021

Poeti: il catalogo è questo!




Recensione di Giuseppe Vetromile


È da pochissimo uscito, per i tipi della Società Editrice Fiorentina, un interessante volume che comprende le notizie bio-bibliografiche e una serie di accurate schede critiche dedicate ai poeti italiani che hanno operato nell’arco di tempo che va dal 1945 al 2020. Si tratta del “Dizionario critico della poesia italiana” (pp. 212, euro 25), curato dal poeta e critico Mario Fresa: una guida ricca, preziosa, che cerca di rappresentare, attraverso i suoi maggiori protagonisti, lo stato della poesia italiana dal 1945 al presente. Il curatore si è avvalso della collaborazione di cinquantadue illustri poeti e critici, riservandosi egli stesso l’elaborazione di non poche schede critiche presenti nell’opera. Ora è chiaro che la poesia è, sovente, argomento ostico e delicato da trattare, specialmente quando si tratta di realizzare “censimenti”, “antologie”, “dizionari”. Ma questo dizionario si distingue da altre opere simili per le sue particolari e forse uniche caratteristiche. Intanto, non è un’antologia, ma un vero e proprio dizionario enciclopedico che non ha intenzione di disegnare una “Storia” della poesia italiana, né ha voluto suddividere o incasellare in modo rigido o scolastico i vari movimenti e le diverse correnti. Esso ha invece "setacciato", secondo la sensibilità e il giudizio del curatore, il mare magnum della poesia italiana del secondo Novecento, offrendo il “ritratto” di numerosi poeti, più o meno conosciuti, inseriti in uno scrupoloso e denso elenco descrittivo, strutturato in un ordine rigorosamente alfabetico. Di ogni autore si fornisce un’esauriente biografia, una bibliografia con i lavori più importanti e una puntuale presentazione critica della sua poetica. Questo “Dizionario critico della poesia italiana” dedica, poi, ampio spazio non solo alle figure più note della poesia nostrana, ma anche, e per fortuna, ai poeti più giovani e ai nomi più “appartati” e meno conosciuti. “Il dizionario pubblicato con la SEF – ha dichiarato Fresa in una recente intervista - si fonda sulla responsabilità della scelta e dell’indagine critica, della valutazione e dell’interpretazione, del commento e della decodificazione dei testi. Ecco perché esso si presenta, già dal titolo, come «critico»: i redattori hanno individuato – in modo empatico, vorrei dire, più che in senso storicistico – nomi e libri esemplari, componendo un mosaico, ampio e costellato di numerose presenze, che invita il lettore a entrare nel «mondo» di ciascuno dei poeti ritratti”. E ha aggiunto: “Non credo nelle Storie della letteratura. Ritengo assai più interessanti gli autori, le loro singole voci. Ogni poeta costituisce, spesso, un caso unico, a sé stante, che meriterebbe sempre di essere studiato e analizzato in modo autonomo e specifico”. Un lavoro importante che, indubbiamente, offre il suo valido contributo alla conoscenza di tantissimi poeti, considerati e studiati in quell’arco di tempo, e della loro intensa attività sul campo. Tra i molti redattori dell’opera ricordiamo Maurizio Cucchi, Alberto Bertoni, Davide Rondoni, Luigi Fontanella, Plinio Perilli, Eugenio Lucrezi, Monia Gaita, Rosa Pierno, Enzo Rega, Monica Venturini, Tiziano Salari, Marco Corsi, Maria Borio.

sabato 12 settembre 2020

C’è tempo fino al 30 settembre per partecipare al Premio di Poesia “L’arte in versi”

 

 


È fissato al prossimo 30 settembre il termine di scadenza per prendere parte alla nona edizione del noto Premio Letterario Nazionale “L’arte in versi”, ideato e presieduto dal poeta e critico letterario jesino Lorenzo Spurio. Il concorso, oltre alle canoniche sezioni di partecipazione della poesia in italiano, poesia in dialetto, poesia in lingua straniera, libro edito di poesia, haiku, videopoesia e critica poetica, quest’anno ha introdotto ulteriori tre sezioni, ovvero la poesia religiosa, la prosa poetica e il libro edito di saggistica sulla poesia. 

A causa dell’emergenza relativa al Coronavirus la data di scadenza canonica, fissata al 15 maggio, è stata posticipata al 30 settembre per facilitare e permettere quanti desiderano prendere parte all’iniziativa.

Il Premio, alla cui presidenza di Giuria figura per il terzo anno consecutivo la poetessa Michela Zanarella, è organizzato dall’Associazione Culturale Euterpe di Jesi e vanta di importanti partnership e collaborazioni esterne con enti culturali diffusi in varie regioni italiane: le Associazione Culturali “Le Ragunanze” di Roma, “L’Oceano nell’anima” di Bari, “ASAS” di Messina, “Arte per Amore” di Seravezza (Lucca), “Africa Solidarietà Onlus” di Arcore (Monza), “Il Faro” di Cologna Spiaggia (Teramo), “Poesia e Solidarietà” di Trieste alle quali si aggiungono quest’anno il Centro Culturale “Sara Valesio” di Bologna, il Centro di Poesia Contemporanea dell’Università “Alma Mater” di Bologna, AlmanHaiku e Wiki-Poesia.

Tra le caratteristiche principali del Premio vi è la volontà di riconoscere – con ulteriori premi fuori concorso – il merito di poeti a livello nazionale con l’attribuzione di Premi alla Carriera Poetica. Precedenti attribuzioni di questo tipo hanno visto, negli anni, il conferimento al poeta Dante Maffia, alle poetesse Anna Santoliquido di Bari, Donatella Bisutti di Milano, Marcia Theophilo del Brasile, solo per citare i più recenti.

Inoltre vengono annualmente conferiti Premi alla Memoria a insigni poeti della nostra letteratura nazionale, scomparsi da tempo ma che hanno lasciato un segno distintivo e una traccia nella storia della letteratura italiana che l’Organizzazione intende evidenziare alla comunità letteraria, riconoscerne il merito, permetterne una diffusione e conoscenza maggiore. L’anno scorso i Premi alla Memoria sono stati conferiti a Salvatore Toma di Maglie (Lecce), Silvio Bellezza di Lanzo Torinese (Torino) e Maria Ermegilda Fuxa di Alia (Palermo) alla presenza di autorità di enti locali di appartenenza di alcuni dei premiati alla memoria.

Il Premio letterario “L’arte in versi”, che ha visto quale sede di premiazione delle prime tre edizioni il capoluogo fiorentino, dal 2015 ha sede fissa nella città federiciana di Jesi, in provincia di Ancona, e vede la cerimonia di premiazione al Palazzo dei Convegni di Jesi. Il posticipo della data di partecipazione dovuta all’emergenza virus non consentirà di tenere la serata di premiazione a novembre di quest’anno e si terrà, qualora la situazione sociale lo permetterà, nella primavera del 2021.

A sostenere il prestigioso premio letterario sono le amministrazioni degli enti locali: la Regione Marche, il Consiglio Regionale della Regione Marche, la Provincia di Ancona e i Comuni di Jesi, Ancona e Senigallia.

 

Per poter consultare o scaricare il bando di partecipazione cliccare qui.

 

Eventuali richieste di informazioni vanno inoltrate a: premiodipoesialarteinversi@gmail.com

 

domenica 2 agosto 2020

Lorenzo Spurio sul poeta pakistano (palermitano acquisito) Umeed Ali


Articolo di Lorenzo Spurio




Sulla testata online Rolling Stone alcuni giorni fa è stato pubblicato un articolo[2] a firma di Gianmarco Aimi dedicato al poeta pakistano Umeed Ali dal titolo incisivo (quanto forse provocatorio) “E se il miglior poeta italiano fosse in realtà pakistano?” nel quale viene presentato – per pillole – un identikit del poeta Umeed Ali, attualmente residente a Palermo in condizioni disagiate, tracciando anche elementi della sua vita passata.
L’articolista è piuttosto convinto nel sostenere – sulla scia di intellettuali di vario calibro – che la poesia di Umeed Ali sia particolarmente persuasiva ed efficace, dotata di spontaneità e ricca di tormento per la povertà con la quale ha sempre vissuto (e vive tuttora) a contatto ma anche di messaggi di forte responsabilità civile nonché di speranza.
Ho deciso, nel giorno stesso della pubblicazione dell’articolo di Aimi, di rilanciare la notizia ponendo la giusta attenzione sul poeta pakistano – secondo me meritorio di lettura e di maggiore approfondimento – rilanciando anche la recensione che cinque anni prima scrissi sul suo libro Bilancio interiore, acquistato direttamente da lui quando lo incontrai a Palermo ad aprile 2015. Lo rincontrai, poi, casualmente, nel capoluogo siciliano, a tarda sera, in un’afosa serata di luglio 2017, in un momento di riposo nei pressi di via Maqueda. In quella nuova circostanza mi propose il suo nuovo libro – non ricordo ora il titolo ma un amico che era con me, invece, mosso da un sentimento credo di compassione, lo comprò – che per varie ragioni decisi di non prendere. Ma fu piacevole ritrovarlo e poterci riparlare.
Propongo a continuazione la recensione che scrissi a Bilancio interiore (da lui letta – allora – in anteprima e condivisa con entusiasmo) non prima di osservare che il titolo dell’articolo di Aimi, come forse era prevedibile succedesse, non ha mancato di generare criticità – quando non vero e proprio disappunto – in alcune persone, tra chi ha avuto da obiettare sull’estrema distanza (e impossibilità di conciliazione) tra la religione islamica (di cui Umeed è fedele) e la poesia in quanto campo libero, respiro di creatività che non può derivare da un’ideologia – per alcuni – vicina o coniugante una vena anti-democratica. Chi, invece, forse in odore di pregiudizi razziali e da un’impostazione vistosamente eurocentrica, non ha gradito il fatto che l’autore dell’articolo si è spinto troppo oltre, generando egli stesso un paradosso. Valido, ovviamente, nei termini della provocazione – o semmai dell’invettiva[3] – nell’individuare il miglior poeta italiano in un esponente che, di fatto, per ius sanguinis non lo è.
Mi sento di prendere le distanze da entrambe le prese di posizioni che non condivido e che reputo non accettabili e al contempo vorrei rammentare dell’arricchimento che nel corso degli anni – e ancora nelle ultimi decadi – la migrant writing, vale a dire la letteratura di autori stranieri emigrati in Italia, sia stato rilevante al punto di aver contribuito nettamente a scrivere pagine rimarchevoli, allargare contenuti, amplificare e ibridare linguaggi e tanto altro. Considerare il concetto di nazionalità nei termini di supposte barriere nazionali, che in gran parte non esistono più per l’Europa e che sono perlopiù confini mentali, è da reputare una bieca ristrettezza dal momento che, se per la legge non è possibile ritenersi cittadini di uno stato nel quale non si è nati, per la letteratura molto probabilmente sì. Un poeta che da tanti anni vive in Italia, che conosce bene il territorio, la lingua e la cultura, le usanze della gente, che ama quel territorio e – soprattutto – che ha un atteggiamento rispettoso e meritorio verso l’altro, non ha forse contribuito col suo percorso esistenziale – complice la sua attitudine doma ed empatica – a iscriversi (e ritrovarsi benvoluto e corrisposto) in un contesto che non è più il suo, nativo e ancestrale, ma italiano e in particolare palermitano? Lascio a chi vorrà riflessioni in merito alla questione. Non giudizi tranchant che, come spesso accade, non sono utili per dirimere questioni.

Umeed Ali


 

Dal giorno in cui ho capito le linee della mia mano
ho cominciato a litigare con la vita. (34)

Il mondo è come un bel libro
e il tempo è il migliore maestro:
volendo, si può imparare quasi tutto. (110)

 A testimoniare il fatto che gli incontri migliori e che più ti arricchiscono sono sempre quelli che capitano casualmente, o comunque senza nessuna coincidenza prestabilita, vorrei parlare del mio incontro con Umeed Ali, un signore pakistano della regione del Punjab, nato nel 1961 e poi emigrato in Italia in cerca di un futuro migliore molti anni fa. Non è la sua una delle tantissime storie di emigrati che tentano solamente di approdare in quello che ai loro occhi può apparire come il paese di Bengodi dove lasciarsi alle spalle le sofferenze e la povertà, ma è la vicenda amara – salda nella credenza religiosa – di una persona dall’animo profondamente sensibile. La scrittura, il suo amore per la poesia e la riflessione nel mondo di carta, infatti, lo ha portato a stringere un profondo legame con la parola: le sue prime opere, scritte già durante la sua esistenza in India, vennero scritte negli idiomi locali tra cui l’Urdu, il Saraiki e il Punjabi.
Ho conosciuto Umeed Ali durate un ciclo di eventi culturali che ho co-organizzato a Palermo a metà Aprile del 2015 ai quali lui, grande amante della cultura e frequentatore della Libreria Spazio Cultura dove si tenevano gli eventi, si è presentato interessato. Alto, dai profondi occhi neri e dal viso di una serietà dolce e pacata, con una generosità d’animo difficile da trovare oggigiorno si è presentato facendoci leggere anche alcuni estratti apparsi su giornali nazionali e locali di prestigiosi nomi che l’avevano recensito o conosciuto. Mi ha raccontato che la sua vita non era mai stata facile e neppure in quel momento, pur trovandosi a Palermo da alcuni amici, lo era. Era sempre alla ricerca di piccole donazioni per potersi sostenere e inviare soldi alla sua famiglia in India. Ciò che mi ha colpito è stata la sua voglia di parlare: di narrare di sé ma anche di saper ascoltare le vicende altrui, cosa che raramente un recente conosciuto è portato a fare.
Ho scoperto così che nella sua attività di vucumprà, che ha contraddistinto la gran parte della sua vita una volta giunto in Italia, ha praticamente viaggiato in su e giù quasi tutta la Penisola e che conosceva città, monumenti, collegamenti stradali e orografia ancor meglio di un qualsiasi nativo. Di esser stato vari anni a Padova che, anche se non ha amato molto la mentalità della gente del posto, adducendo alla loro freddezza e riluttanza, d’altro canto gli è stata propizia perché, proprio nel Triveneto, è stato appoggiato seriamente, per la prima volta, da associazioni, biblioteche ed enti locali che gli hanno fatto vendere un gran numero di copie del suo libro. Della mia Regione mi ha detto di esser stato a Jesi, Ancona, Falconara Marittima, cioè praticamente di conoscere il territorio abbastanza bene e, si sa, un vucumprà che è costretto a muoversi di continuo e sulle sue uniche gambe è il miglior “viaggiatore” e conoscitore degli spazi che ci possa essere sulla Terra. Il viaggio, che non è un divertimento, è funzionale al sostentamento ma al contempo gli permette di osservare il mondo nelle piccole cose e di conoscere meglio le persone. In tale contesto devono essere lette le sue considerazioni in merito alla sostanziale disparità tra un Nord freddo e disattento ai contatti sociali ma tendenzialmente lauto nel sostegno economico e, di converso, un Sud contraddistinto da grande spontaneità e calore ma oculatezza (parsimonia) in termini di aiuti ricevuti. Tra i due, come già accennato, non ha celato più volte di preferire il Meridione ed è proprio a Palermo dove l’ho incontrato che, forse per la multiculturalità del capoluogo siciliano e la stratificazione di popoli che nel corso del tempo si sono prodotte, che maggiormente ha trovato sintonia.
Mi ha raccontato che ha vissuto tanti anni a Perugia (nella quale – mi ha detto – ha intenzione di ritornarne dopo questa sua permanenza a Palermo) della quale conserva un bel ricordo e insieme abbiamo ripercorso i vari ambienti della toponomastica cittadina che ben conosco perché vi ho studiato due anni. Negli anni in cui io studiavo alla Facoltà di Lettere lui abitava poco distante da Piazza Morlacchi dove, pure, nella nota Libreria-Casa editrice Morlacchi aveva dato alle stampe il suo libro di poesie. Io a quel tempo mi servivo nella stessa libreria per testi universitari e dispense.
Durante la serata del 18 aprile, in cui alla Libreria Spazio Cultura avevamo organizzato il reading poetico dal titolo “Grandi e Dimenticati: la poesia che non muore”[4], Umeed ci ha letto tre sue poesie presenti nel libro o, meglio, le ha recitate a memoria in parte chiudendo gli occhi ma dandone sempre il massimo della forza espressiva nel suo italiano, perfetto, con lievi sentori di un difficile percorso di apprendimento. Ci ha spiegato che nelle lingue indiane da lui conosciute una stessa parola in base alla lettura, alla sonorità che ne scaturisce dalla pronuncia è possibile ricavarne significati differenti, completamente distanti tra di loro e che c’è una ricchezza lessicale stupefacente. La sua difficoltà nell’esprimersi in italiano, negli anni, non è stato il semplice saper tradurre da parola a parola, cosa meccanica e semplice come potremmo fare tra una lingua neolatina e l’altra, ma andare a vedere se nel relativo termine tradotto in italiano, in effetti, si mantenesse il significato originario del termine, nella lingua pakistana, come lui l’aveva inteso e creato. Un processo senz’altro difficile al quale la sua poetica, raccolta in questo volume bilingue italiano-inglese, si è dovuta piegare ma che, a ben vedere, non ne ha risentito in maniera troppo dura. Così scrive nella poesia intitolata “Dal giorno in cui ho iniziato a scrivere in italiano”: “È difficile riuscire a trasmettere i sentimenti/ in una lingua straniera,/ perciò mi manca sempre qualche parola giusta/ o qualche frase,/ ma quando finiscono queste lontananze, di lingua e colore,/ siamo tutti vicinissimi” (66).
Le poesie di Umeed Ali parlano di solitudini e lontananze, di indifferenze sociali e di disagi che si realizzano distanti dagli occhi dei più, sotto la luce del giorno. Sono parole che risentono dell’offesa subita, della mancanza di aiuto, dell’insensibilità e di una divinizzazione dell’uomo contemporaneo portata all’estremo. Una società in cui, parafrasando Orwell ma anche Sciascia delle Favole della dittatura esistono maiali (potenti) e topi (vittime) dove i primi, in cima alla scala piramidale, gestiscono l’esistenza di tutti e non fanno altro che incamerare ricchezze e infischiarsene di coloro ai quali per lo meno potrebbero dare briciole dei loro “pasti” da nababbi.
In questo Bilancio interiore, che è il titolo della raccolta, Umeed si denuda sulla carta per raccontarci la durezza di un’esistenza improntata alla continua ricerca nell’altro di comprensione, apertura, vicinanza e curiosità. Anche la semplice parola, il regalare una conversazione a una persona sola, depressa, malata o denigrata può significare per essa la salvezza e al contempo scopriremo che sarà stato un regalo anche per noi.
Il libro si apre con la poesia “Per Dio Grandissimo” e il “Dio Grandissimo” di Umeed chiaramente è Allah anche se lui non lo nomina e, parlando con lui di religione, ho percepito la sua indignazione su quel viso scuro prima rilassato e di colpo compunto e un’espressione schifata quando abbiamo parlato della nuova e grave minaccia terroristica che riguarda il mondo tutto. La religione per questi fanatici è solo un pretesto per ambire a qualcosa di più alto con l’aiuto di ingaggi internazionali che forniscono armi e coperture. Li ha definiti con i peggiori epiteti che si possano udire e ogni volta che ne fuoriusciva uno dalla sua bocca percepivo la sofferenza di chi ha sperimentato sulla sua pelle la violenza, la coercizione, lo sfruttamento, l’abnegazione a sedicenti logiche di salvezza.
Umeed è il poeta del sentimento, un uomo che, dinanzi a tante difficoltà, è riuscito a prediligere il lato umano e il rapporto interpersonale su ciascuna cosa ed è proprio per questo che è in grado di scorgere la bellezza, nella donna o nella natura, quando forse sarebbe più istintivo trovare spazio nello sconforto di immagini fosche e deprimenti: “Tocca la mia fronte/ perché il profumo della tua mano/ possa cambiare il mio destino” (28). Ed anche se la durezza di una vita trascorsa tra difficoltà (“io faccio sempre una dura vitaccia”, 56) e lontananze dai suoi cari è pesante da sostenere ed Umeed ci parla dei suoi “problemi di tutti i giorni” (34) il messaggio finale non è mai cupo, non tende al pessimismo, né allo scoraggiamento poiché, come lui stesso sostiene in maniera lapalissiana: “La vita è una gioia e pure un dolore/ la vita è un’offesa e pure un amore” (46).
Per un emigrato in un paese talmente diverso dal suo luogo di nascita e dalla sua cultura ci sarà sempre spazio al ricordo, più o meno mesto, di ciò che ha lasciato per altre terre. Trovo che nella poesia “Nostalgia” di Umeed sia contenuto questo sentimento di angoscia-ossessione che lo lega a un passato distante non solo in termini cronologici, ma spaziali, culturali e soprattutto affettivi: nella poesia “Nostalgia” leggiamo: “Mia cara nostalgia rimani con me/ non devi lasciarmi solo/ […]/ Se vuoi stasera andiamo insieme/ in qualche luogo particolarmente bello,/ […]/ e ti racconterò una bella poesia/ dedicata a te, mia cara nostalgia” (60).
Un libro-testamento che ci consegna pensieri sulla vita, sul senso della stessa e su come potremmo tutti vivere meglio se allontanassimo da noi il narcisismo che dilaga, se rifuggissimo l’invidia e abbattessimo l’indifferenza che costruisce giganti di roccia, monadi in sé chiuse e apparentemente autosufficienti. Nessuno è autosufficiente a sé stesso. Nessuna famiglia. Nessuna società. Ed è così che Umeed Ali ci interpella su riflessioni di questo tipo alle quali tutti i giorni non diamo troppo spazio impegnati nei tanti impicci quotidiani assorbiti da una ritualità che ci ha fatto automi: “Se tutti siamo figli di Eva e Adamo, / come mai fra noi così mal pensiamo” (54). Due versi linguisticamente semplici privi di retorica che non hanno la volontà di metter a giudizio nessuno, ma di aprire alla consapevolezza in unione con una contemplazione e profonda gratitudine verso il Dio creatore che dobbiamo pregare, invocare e sentire vicino a noi, come un grande amico a guidarci verso il bene mettendo fine a ciascuna idea che consacri la violenza e il sopruso tra gli uomini: “Vergognati egoista, hai sempre sete/ del sangue del tuo fratello innocente./ Non devi scordare che esiste un vero potete, grandissimo/ Di universale misericordioso” (64).
I versi di Umeed riguardano verità sacrosante che vanno scolpite sulla roccia e incise sui muri delle città affinché restino lì, perentorie, a informarci quale può essere lo spauracchio che dilania la comunità per chi ne svia il percorso e s’imbatte in territori dove la moralità e il senso di rispetto sono stati relegati a categorie inutili. La forza della parola è altisonante e diventiamo amici di Umeed uomo-esule-vucumprà-poeta-cittadino di nessun luogo che con l’arma più potente e persuasiva ci permette di guardare dentro di noi con più convinzione e serietà. Il suo verso si fa ora canto, ora preghiera, ora denuncia ora sdegno e commento critico sul mondo e nel complesso ci consegna un compendio autentico e sofferto del suo arcobaleno emotivo che, a intervalli, riaffiora nel cielo dopo momenti di pioggia e oscurità: “Quanto è bello stare con se stessi,/ raccontarsi di cose profonde/ e anche ascoltare se stessi” (92).







[1] La presente recensione al volume di poesia Bilanci interiori / Inner Balance di Umeed Ali è stata scritta il 30/04/2015 e pubblicata su Blog Letteratura e Cultura in data 01/05/2015 e al suo interno fa riferimento anche all’incontro fisico avuto con il poeta il 18/04/2015 a Palermo presso la Libreria Spazio Cultura (Macaione) in Via Marchese di Villabianca.
[2] Gianmarco Aimi, “E se il migliore poeta fosse in realtà pakistano?”, Rolling Stone, 27/07/2020, link: https://www.rollingstone.it/cultura/interviste-cultura/e-se-il-miglior-poeta-italiano-fosse-in-realta-pakistano/526421/?fbclid=IwAR0C68QiPYYuQDdLYhiAlQM4AH7bdwr9P1rcpJF6kJ32t_fTdNNvy8jy_9U (Sito consultato il 31/07/2020
[3] Infatti Aimi propone la questione non come definitiva e oggettivamente plausibile, ma la sottopone al lettore nella forma di un interrogativo, vago quanto retorico, curioso quanto difficile da appurare dopo aver letto il suo articolo. Giudizi di merito attorno alla poetica di Umeed Ali sono stati prodotti, nel corso del tempo, da parte di vari intellettuali che ne hanno riconosciuto qualità e forza espressiva. Chiaramente Aimi lancia il sasso nello stagno: sta al lettore dell’articolo farsi un’idea in merito a ciò che egli “narra” ma è chiaro che risulta complicato – impossibile rispondere – al quesito; per lo meno se non si sono lette le poesie del poeta pakistano. Se la sua vita tribolata fa “scena”, effetto plot (con plausibili sentimenti di compassione e vicinanza verso l’uomo) è anche vero che per poter esprimere una valutazione qualificata e oggettiva, critica e analitica dell’opera, essa vada ricercata e letta.
[4] Le poesie dei poeti che presero parte a tale reading – assieme a quelli di altri reading precedenti organizzati dalla rivista di letteratura Euterpe e successivi organizzati dall’omonima Associazione Culturale Euterpe di Jesi – sono stati pubblicati nel volume collettaneo: AA.VV., Sicilia, viaggio in versi. Antologia dei reading poetici organizzati dall’Ass. Euterpe in Sicilia (2013-2018), a cura di Lorenzo Spurio, Associazione Culturale Euterpe, Jesi, 25019.